António Charrua
António Dias Charrua foi um renomado artista plástico português, cuja vasta obra abrangeu pintura, escultura, gravura e tapeçaria. Sua trajetória artística foi marcada por uma constante experimentação, partindo do figurativo em direção a uma abstração profundamente enraizada na realidade e na condição humana.
Pontos-chave
- António Charrua foi um artista plástico português versátil, atuando em pintura, escultura, gravura e tapeçaria.
- Sua formação incluiu arquitetura e uma bolsa da Fundação Calouste Gulbenkian no exterior.
- A obra de Charrua evoluiu de influências de Picasso para uma abstração ligada ao real, com forte expressividade gestual.
- Ele expôs regularmente no Brasil e internacionalmente desde 1953, e suas obras estão em importantes coleções públicas e privadas.
- Charrua via sua arte como uma pesquisa do gesto expressionista, buscando equilíbrio e uma nova construção do espaço, onde o real se manifesta em sua dimensão misteriosa.
António Charrua iniciou sua formação no curso de arquitetura da Escola de Belas-Artes de Lisboa. Em 1960-61, foi bolsista da Fundação Calouste Gulbenkian no estrangeiro, aprimorando suas habilidades. Ele também se dedicou às artes gráficas, criando capas de livros para editoras como Portugália, Presença e Sociedade de Expansão Cultural, por vezes usando o pseudónimo A. Dias. Sua primeira exposição individual ocorreu em 1953, no Porto, marcando o início de uma carreira expositiva regular, tanto em Portugal quanto internacionalmente.
A pintura de António Charrua, inicialmente influenciada por Picasso, evoluiu para um estilo de abstração que mantinha uma forte conexão com a realidade. Um exemplo notável é a obra 'Terra trabalhada' (1961), exposta na II Exposição de Artes Plásticas da Fundação Calouste Gulbenkian, que evoca os camponeses alentejanos, um tema recorrente em sua arte. Na década seguinte, sua obra incorporou o gestualismo, associando-o a formas geométricas expressivas e elementos tridimensionais, demonstrando uma constante evolução em sua linguagem artística.
Na escultura de António Charrua, a figura, embora imaginária, simboliza a imensa carga que a Humanidade carrega ao longo do tempo. Esta dimensão conceitual e simbólica é central em suas criações tridimensionais, refletindo uma profunda reflexão sobre a condição humana e seus desafios.
António Charrua participou de diversas exposições coletivas e individuais de grande prestígio. Entre as coletivas, destacam-se as Exposições Gerais de Artes Plásticas da SNBA, as I, II e III Exposições de Artes Plásticas da Fundação Calouste Gulbenkian (1957, 1961, 1986), a Bienal Internacional de Tóquio (1965) e mostras de Arte Portuguesa Contemporânea em cidades como Barcelona, Salamanca (1973), Roma, Paris, Brasília, São Paulo e Rio de Janeiro (1976). Suas exposições individuais incluem a Galeria Diário de Notícias (Lisboa, 1962, 1963), Galeria de Arte Moderna da SNBA (Lisboa, 1967, 1968), Galeria Numaga II (Auvernier, Suíça, 1971, 1976), Galeria Zen (Porto, 1972), Galerie du Manoir (La Chaux-de-Fonds, 1978), Galeria Jonas (Neuchâtel, 1984), Galeria Darani (Locarno, 1984) e o Museu de Évora (2001).
As obras de António Charrua estão presentes em importantes coleções públicas e privadas, atestando seu reconhecimento e valor artístico. Entre as coleções públicas, destacam-se o Museu Nacional de Soares dos Reis (Porto), o Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão da Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), o Museu do Chiado (Lisboa) e o Museu de Helsínquia (Finlândia). Ele também está representado em galerias como a Ap'arte (Porto) e a São Mamede (Lisboa).
António Charrua refletia profundamente sobre sua arte. Ele via sua obra como uma "pesquisa numa zona marcada pelo gesto expressionista, mas determinada por um certo desejo de equilíbrio, uma certa contenção". Para ele, a criação não partia do real ou da natureza, mas se desenvolvia no plano da tela, recusando a ilusão e buscando a continuidade do sentido estético na própria obra de arte. Charrua acreditava que a pintura moderna "apela a uma nova construção do espaço que tem a ver mais com o que se sabe do com o que se vê", mas ressaltava que "o real também está presente, na sua indeterminada, fascinante e misteriosa dimensão". Ele também descreveu o gesto em sua arte como "decorrente da emergência da própria força do acaso que deverá ser assumida", comparando-o à exatidão e irrepetibilidade da vida e à timidez humana em expressar sentimentos essenciais.
