Arte
A arte é um vasto campo de atividades humanas e seus resultados, envolvendo talento criativo ou imaginativo, manifestado em proficiência técnica, beleza, poder emocional ou ideias conceituais. É o processo de organizar elementos para apelar aos sentidos e emoções, abrangendo música, fotografia, literatura, dança, cinema, escultura e pintura. Seu significado é explorado pela estética, ramo da filosofia. Inicialmente com funções ritualísticas, mágicas e religiosas para os primeiros humanos, a arte evoluiu para incluir componentes estéticos, sociais, pedagógicos, mercantis e ornamentais.
Pontos-chave
- A arte é uma gama diversificada de atividades humanas que envolve talento criativo ou imaginativo.
- Ela abrange diversas formas de expressão, como música, pintura, dança e literatura.
- A função da arte evoluiu de ritualística e religiosa para incluir aspectos estéticos, sociais e mercantis.
- Teóricos e filósofos, desde a antiguidade, questionam e exploram o significado e o propósito da arte.
- A arte existe há quase tanto tempo quanto a humanidade, com evidências que datam de centenas de milhares de anos.
Na história da arte, obras artísticas acompanham a humanidade desde a pré-história até a arte contemporânea. Contudo, alguns teóricos questionam a aplicabilidade do conceito ocidental moderno de 'obra de arte' a outras sociedades. A definição inicial de arte estava ligada à 'habilidade' ou 'ofício' (do latim 'ars'). Filósofos como Platão, Aristóteles, Sócrates e Immanuel Kant, ao longo do tempo, aprofundaram-se no significado da arte. Platão, por exemplo, em 'Fedro', aborda a poesia como inspiração divina, enquanto em 'A República', ele propõe a proibição da poesia de Homero e do riso. Já em 'Íon', a 'Ilíada' de Homero é vista como uma arte literária divinamente inspirada, capaz de oferecer orientação moral se interpretada corretamente, funcionando de forma similar à Bíblia no mundo cristão moderno.
A arte tem uma história profunda, com evidências que datam de centenas de milhares de anos. Uma concha gravada por Homo erectus tem entre 430 mil e 540 mil anos. Garras de águia de cauda branca de 130 mil anos, manipuladas por neandertais, podem ter sido usadas como joias. Conchas de caracóis perfuradas de cerca de 75 mil anos foram encontradas na África do Sul, e recipientes para tintas datam de 100 mil anos. A obra de arte mais antiga da Europa, o Riesenhirschknochen der Einhornhöhle, tem 51 mil anos e foi feita por neandertais. Esculturas, pinturas rupestres e petróglifos do Paleolítico Superior, de cerca de 40 mil anos, também foram descobertos, embora seu significado exato seja frequentemente debatido devido ao pouco conhecimento sobre as culturas que os produziram.
As artes criativas são categorizadas por mídia, gênero, estilo e forma. A 'forma de arte' refere-se aos elementos artísticos independentes de sua interpretação, abrangendo métodos do artista e a composição física da obra, como cor, contorno, dimensão, meio, melodia, espaço, textura e valor. Também inclui princípios de design como arranjo, equilíbrio, contraste, ênfase, harmonia, proporção, proximidade e ritmo. Existem três escolas filosóficas principais sobre a arte: formalismo (foco na forma), conteúdo e contexto. O formalismo extremo, que defende que todas as propriedades estéticas são formais, é amplamente rejeitado, pois filósofos acreditam que a estética da arte vai além de materiais, técnicas e forma. Há pouca concordância na terminologia para propriedades informais, com alguns usando 'assunto e conteúdo' e outros 'significado e importância'.
Habilidade e Ofício na Arte
A arte pode significar habilidade treinada ou domínio de um meio, ou o uso eficaz da linguagem para transmitir significado. É um ato de expressar sentimentos, pensamentos e observações, onde a compreensão do material facilita o processo criativo. Uma visão comum é que a arte, especialmente em seu sentido elevado, exige um certo nível de habilidade criativa, seja técnica, originalidade estilística ou ambas. Tradicionalmente, a habilidade de execução era crucial; Leonardo da Vinci via a arte como manifestação de habilidade. A obra de Rembrandt, hoje elogiada por suas virtudes efêmeras, era admirada por seus contemporâneos por seu virtuosismo. No início do século XX, a destreza de John Singer Sargent era vista com admiração e ceticismo, enquanto Pablo Picasso, um futuro iconoclasta, se destacava em seu treinamento acadêmico tradicional.
A arte teve inúmeras funções ao longo da história, tornando difícil abstrair ou quantificar seu propósito em um único conceito. Isso indica que a arte não tem um propósito 'vago', mas sim muitas razões únicas e diversas para sua criação. As funções da arte podem ser agrupadas em propósitos não motivados e motivados, conforme Lévi-Strauss.
Funções Não Motivadas da Arte
Os propósitos não motivados da arte são inerentes ao ser humano, transcendem o indivíduo e não servem a um propósito externo específico. Nesse sentido, a arte, como criatividade, é algo que o ser humano realiza por sua própria natureza (nenhuma outra espécie cria arte) e, portanto, está além da utilidade. Aristóteles sugere que a imitação é um instinto natural, assim como o instinto de 'harmonia' e ritmo. As pessoas, a partir desses dons naturais, desenvolveram gradualmente suas aptidões, transformando improvisações rudimentares em poesia.
Funções Motivadas da Arte
Os propósitos motivados da arte referem-se a ações intencionais e conscientes dos artistas. Podem visar provocar mudanças políticas, comentar aspectos sociais, transmitir emoções ou estados de espírito, abordar a psicologia pessoal, ilustrar outras disciplinas, vender produtos (nas artes comerciais) ou servir como forma de comunicação. Steve Mithen define a arte como 'artefatos ou imagens com significados simbólicos como meio de comunicação'. André Breton, do Surrealismo, critica a atitude realista, inspirada no positivismo, por considerá-la hostil ao avanço intelectual e moral, alimentando a mediocridade e embrutecendo a ciência e a arte ao bajular os gostos mais baixos.
O processo criativo na arte pode ser dividido em várias etapas, embora não haja consenso sobre um número exato. Esta seção o organiza em três grandes fases.
Preparação da Obra de Arte
Na primeira etapa, o artista visualiza a arte em sua mente, imaginando como ela será e iniciando o processo de dar-lhe existência. A preparação pode envolver a abordagem e pesquisa do tema. A inspiração artística, um dos principais motores da arte, pode vir do instinto, de impressões e de sentimentos.
Criação da Obra de Arte
Na segunda etapa, o artista executa a criação de sua obra. Fatores como o ambiente, o humor e o estado mental do artista podem influenciar a criação. Por exemplo, as 'Pinturas Negras' de Francisco de Goya, criadas no fim de sua vida, são consideradas sombrias devido ao seu isolamento e experiências de guerra, pintadas diretamente nas paredes de seu apartamento. Os Beatles atribuíram a drogas como LSD e maconha a influência em alguns de seus sucessos, como 'Revolver'. O método de tentativa e erro é considerado parte integrante do processo de criação.
Apreciação e Crítica da Arte
A última etapa é a apreciação da arte, que inclui a crítica. Estudos mostram que mais da metade dos estudantes de artes visuais consideram a reflexão um passo essencial no processo artístico. Revistas de educação também destacam a reflexão como parte fundamental da experiência. Um aspecto importante é que a arte pode ser vista e apreciada por outros. Embora muitos se concentrem na aprovação pública, a arte tem um valor profundo que vai além do sucesso comercial, fornecendo informação e bem-estar à sociedade. O prazer pela arte pode evocar um amplo espectro de emoções devido à beleza. Algumas artes são concebidas para serem práticas, com sua análise estudiosa visando estimular o discurso.
Desde a antiguidade, grande parte da arte mais refinada serviu como exibição deliberada de riqueza ou poder, muitas vezes através de grandes obras e materiais caros, encomendadas por governantes ou instituições religiosas. Versões mais modestas eram acessíveis apenas aos mais ricos. No entanto, houve períodos em que arte de alta qualidade esteve disponível para amplos setores da sociedade, especialmente em meios baratos como cerâmica (que persiste no solo) e perecíveis como tecidos e madeira. Em muitas culturas, como as dos povos indígenas das Américas, cerâmicas são encontradas em diversas sepulturas, indicando que não eram restritas à elite. Métodos de reprodução, como moldes, facilitaram a produção em massa, popularizando cerâmica romana antiga e estatuetas gregas de Tanagra. Selos cilíndricos, artísticos e práticos, eram amplamente usados pela 'classe média' no Antigo Oriente Próximo. Com a ampla utilização de moedas, estas também se tornaram uma forma de arte acessível a toda a sociedade.
A arte sempre gerou controvérsias e rejeição por diversas razões, embora muitas disputas pré-modernas estejam pouco ou mal registradas. A iconoclastia, por exemplo, é a destruição de arte por motivos variados, incluindo religiosos. O aniconismo, a aversão geral a imagens figurativas (especialmente religiosas), foi uma corrente em muitas religiões importantes, crucial na história da arte islâmica, onde representações de Maomé permanecem controversas. Muitas obras foram rejeitadas por retratar ou defender governantes, partidos ou grupos impopulares. As convenções artísticas são frequentemente conservadoras e levadas a sério pelos críticos, mas menos pelo público. O conteúdo iconográfico da arte pode causar controvérsia, como nas representações medievais tardias do desmaio da Virgem na Crucificação. O 'Juízo Final' de Michelangelo foi controverso por violar o decoro com nudez e a pose de Cristo, semelhante à de Apolo.
Antes do modernismo, a estética na arte ocidental focava no equilíbrio entre realismo/verdade da natureza e o ideal, com ideias sobre esse equilíbrio mudando ao longo dos séculos. Essa preocupação é menos presente em outras tradições artísticas. O teórico estético John Ruskin, defensor do naturalismo de William Turner, via o papel da arte como a comunicação de uma verdade essencial encontrada na natureza. A definição e avaliação da arte tornaram-se particularmente problemáticas a partir do século XX. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético: realista (valor absoluto independente da visão humana), objetivista (valor absoluto dependente da experiência humana geral) e relativista (estética não é valor absoluto, mas varia com a experiência humana).
A Chegada do Modernismo na Arte
O modernismo, no final do século XIX, provocou uma ruptura radical na concepção da função da arte, repetida no final do século XX com o pós-modernismo. Clement Greenberg, em seu artigo 'Pintura Modernista' (1960), define a arte moderna como 'o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina'. Ele aplicou essa ideia ao expressionismo abstrato para justificar a pintura abstrata plana: enquanto a arte realista e naturalista dissimulava o meio, usando a arte para esconder a arte, o modernismo usou a arte para chamar a atenção para a arte. As limitações do meio da pintura – superfície plana, formato do suporte, propriedades do pigmento – tratadas pelos Velhos Mestres como fatores negativos, passaram a ser vistas como fatores positivos e abertamente reconhecidas no modernismo.
Neocrítica e a Falácia Intencional
Após Duchamp, na primeira metade do século XX, houve uma mudança significativa na teoria estética, buscando aplicar a teoria entre diversas formas de arte, incluindo literárias e visuais. Isso levou ao surgimento da escola neocrítica e ao debate sobre a falácia intencional. A questão central era se as intenções estéticas do artista deveriam ser associadas à crítica e avaliação da obra final, ou se a obra deveria ser avaliada por seus próprios méritos, independentemente das intenções do criador.
A 'Virada Linguística' e Seus Debates
O final do século XX foi marcado pela 'virada linguística' na filosofia da arte, debatendo se o encontro conceitual com a obra de arte dominava o encontro perceptivo. Trabalhos do estruturalismo de Ferdinand de Saussure e do pós-estruturalismo foram decisivos. Em 1981, Mark Tansey criou 'The Innocent Eye' como crítica ao desacordo na filosofia da arte. Teóricos influentes incluem Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault e Jacques Derrida. Hayden White explorou o poder da linguagem e tropos retóricos na história da arte. Filósofos como Johann Georg Hamann e Wilhelm von Humboldt já haviam enfatizado que a linguagem não é um meio transparente de pensamento. Ernst Gombrich e Nelson Goodman, em 'Languages of Art', concluíram que o encontro conceitual dominou o perceptivo nas décadas de 1960 e 1970. Essa visão foi desafiada pela pesquisa de Roger Sperry, que argumentou que o encontro visual humano não se limitava a conceitos linguísticos, e que outras representações psicológicas eram defensáveis. A visão de Sperry prevaleceu no final do século XX, com filósofos como Nick Zangwill defendendo um retorno ao formalismo estético moderado.
Disputas sobre se algo deve ser classificado como obra de arte são chamadas de disputas classificatórias. No século XX, isso incluiu pinturas cubistas e impressionistas, a 'Fonte' de Duchamp, filmes, imitações de notas de J. S. G. Boggs, arte conceitual e videogames. O filósofo David Novitz argumentou que o desacordo sobre a definição de arte raramente é o cerne do problema. Em vez disso, 'as preocupações e os interesses apaixonados que os humanos investem em sua vida social' são 'uma parte importante de todas as disputas classificatórias sobre a arte'. Segundo Novitz, essas disputas são mais sobre valores sociais e o rumo da sociedade do que sobre a teoria da arte em si. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou o trabalho de Hirst e Emin, alegando que 'Durante 1.000 anos a arte tem sido uma das nossas grandes forças civilizadoras. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam fazer de todos nós bárbaros', eles questionavam o valor do trabalho, não avançavam uma definição. Em 1998, Arthur Danto sugeriu que 'o status de um artefato como obra de arte resulta das ideias que uma cultura aplica a ele, em vez de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes. A interpretação cultural (uma teoria da arte de algum tipo) é, portanto, constitutiva da condição artística de um objeto.'
O Julgamento de Valor na Arte
A palavra 'arte' também é usada para aplicar julgamentos de valor, como em 'aquela refeição foi uma obra de arte' ou 'a arte do engano', elogiando a alta habilidade. É esse uso como medida de alta qualidade e valor que confere ao termo seu caráter subjetivo. Fazer julgamentos de valor exige uma base para a crítica. No nível mais simples, uma forma de determinar se o impacto de um objeto nos sentidos atende aos critérios de arte é se ele é percebido como atraente ou repulsivo. Embora a percepção seja sempre influenciada pela experiência e seja subjetiva, é comum entender que o que não é esteticamente satisfatório de alguma forma não pode ser arte. No entanto, a 'boa' arte nem sempre é esteticamente atraente para a maioria dos espectadores. A principal motivação de um artista não precisa ser a busca pela estética. Além disso, a arte frequentemente retrata imagens terríveis por razões sociais, morais ou instigantes. Por exemplo, a pintura de Francisco Goya 'Os Fuzilamentos de 3 de Maio de 1808' é uma representação gráfica de uma execução, mas demonstra a grande habilidade artística de Goya e provoca indignação social e política. Assim, o debate continua sobre qual modo de satisfação estética, se houver, é necessário para definir a 'arte'.
Questões legais essenciais na arte incluem falsificações, plágio, réplicas e obras fortemente baseadas em outras. A lei de propriedade intelectual é crucial, concedendo aos artistas direitos autorais por suas obras originais, incluindo direitos exclusivos de reprodução, distribuição e exibição. Isso permite aos artistas controlar o uso de seu trabalho e protegê-los contra cópias não autorizadas. O comércio e a exportação de obras de arte podem estar sujeitos a regulamentações legais. Internacionalmente, há esforços significativos para proteger obras de arte, com a ONU, UNESCO e Blue Shield International buscando garantir proteção eficaz em nível nacional e intervir em conflitos armados ou desastres. Isso visa proteger museus, arquivos, coleções de arte e locais de escavação, garantindo também a base econômica de um país, já que obras de arte frequentemente têm importância turística. Karl von Habsburg, presidente fundador da Blue Shield International, destacou em 2019 a conexão entre a destruição de bens culturais e a fuga de pessoas: 'Os bens culturais fazem parte da identidade das pessoas que vivem em um determinado lugar. Se você destrói sua cultura, você também destrói sua identidade. Muitas pessoas são desenraizadas, muitas vezes não têm mais nenhuma perspectiva e, como resultado, fogem de sua terra natal.'
