Desenho

O desenho é uma das formas mais antigas de expressão humana dentro das artes visuais. Geralmente está relacionado à marcação de linhas e áreas de tom em papel ou em outro material, onde a representação precisa do mundo visual é expressa em uma superfície plana. Tradicionalmente, os desenhos eram monocromáticos ou, ao menos, apresentavam pouca cor, enquanto desenhos modernos com lápis de cor podem se aproximar ou ultrapassar o limite entre desenho e pintura. Na terminologia ocidental, desenho difere de pintura, ainda que muitas vezes sejam empregados meios similares em ambas as atividades. Meios secos, normalmente associados ao desenho, como giz, podem ser usados em pastels. O desenho pode ser feito com meio líquido, aplicado com pincéis ou canetas. O uso de pincel para desenhar é muito difundido, sendo o processo de criação de linhas e hachuras que caracteriza algo como desenho. Suportes semelhantes também podem servir para ambos: a pintura geralmente envolve a aplicação de tinta líquida em tela ou painéis preparados, mas às vezes um desenho subjacente é feito primeiro naquele mesmo suporte.

O desenho tornou-se significativo como forma de arte por volta do final do século XV, com artistas e mestres gravadores como Albrecht Dürer e Martin Schongauer (c. 1448–1491), o primeiro gravador do Norte conhecido pelo nome. Schongauer era da Alsácia e nasceu em uma família de ourives. Albrecht Dürer, um mestre da geração seguinte, também era filho de um ourives. Os antigos mestres do desenho muitas vezes refletem a história do país em que foram produzidos, bem como as características fundamentais de uma nação naquela época. Na Holanda do século XVII, um país protestante, quase não havia obras de arte religiosas e, sem rei ou corte, a maior parte da arte era comprada de forma privada. Desenhos de paisagens ou cenas do cotidiano muitas vezes eram vistos não como esboços, mas como obras de arte altamente finalizadas. Já os desenhos italianos mostram a influência do catolicismo e da Igreja, que desempenharam um grande papel no patrocínio artístico. O mesmo costuma ser verdade para os desenhos franceses, embora, no século XVII, as disciplinas do Classicismo francês significassem que os desenhos eram menos barrocos do que os congêneres italianos, que transmitiam uma maior sensação de movimento.

O medium é o meio pelo qual a tinta, pigmento ou cor são aplicados na superfície de desenho. A maioria dos meios de desenho é seco (por exemplo, grafite, carvão, pastel, Conté, silverpoint), ou usa um solvente ou veículo fluido (caneta hidrográfica, caneta e tinta). Lápis aquareláveis podem ser usados a seco como lápis comuns e depois umedecidos com um pincel para obter vários efeitos de pintura. Em casos muito raros, artistas desenharam com tinta invisível (geralmente decodificada). O desenho em metalpoint geralmente emprega prata ou chumbo. Mais raramente, usam-se ouro, platina, cobre, latão, bronze e estanho. O papel vem em diversos tamanhos e qualidades, variando do tipo jornal até papéis de alta qualidade e relativamente caros vendidos em folhas individuais. Os papéis variam em textura, tonalidade, acidez e resistência quando molhados. Papéis lisos são bons para detalhes finos, mas um papel com mais “dente” (textura) segura melhor o material de desenho. Assim, um material mais áspero é útil para produzir contrastes mais profundos.

Quase todos os desenhistas usam mãos e dedos para aplicar o meio, com exceção de algumas pessoas com deficiências que desenham com a boca ou os pés. Antes de começar a criar a imagem, o artista normalmente explora como vários meios funcionam. Ele pode experimentar diferentes implementos de desenho em folhas de teste para determinar valor e textura, e como aplicar o instrumento para produzir vários efeitos. A escolha dos traços de desenho pelo artista afeta a aparência da imagem. Desenhos em caneta e tinta muitas vezes usam hachura – grupos de linhas paralelas. A hachura cruzada utiliza hachuras em duas ou mais direções para criar um tom mais escuro. Hachuras interrompidas ou linhas com quebras intermitentes formam tons mais claros – e controlar a densidade das quebras obtém uma gradação de tom. O pontilhismo (stippling) usa pontos para produzir tom, textura e sombreado. Diferentes texturas podem ser alcançadas dependendo do método usado para construir o tom.

Sombrear é a técnica de variar os valores tonais no papel para representar a tonalidade do material, bem como a colocação das sombras. A atenção cuidadosa à luz refletida, sombras e realces pode resultar em uma representação muito realista da imagem. O blending (mistura) usa um implemento para suavizar ou espalhar os traços de desenho originais. O blending é mais facilmente feito com um meio que não se fixa imediatamente, como grafite, giz ou carvão, embora a tinta recém-aplicada possa ser borrada, úmida ou seca, para obter certos efeitos. Para sombreamento e mistura, o artista pode usar um aplicador de papel, lenço de papel, uma borracha maleável, a ponta do dedo ou qualquer combinação destes. Um pedaço de camurça é útil para criar texturas suaves e para remover o material e clarear o tom. É possível obter tom contínuo com grafite em superfície lisa sem mistura, mas a técnica é trabalhosa, envolvendo pequenos traços circulares ou ovais com uma ponta um pouco romba.

Medir as dimensões de um objeto enquanto se esboça o desenho é um passo importante para produzir uma representação realista do sujeito. Ferramentas como um compasso podem ser usadas para medir os ângulos de diferentes lados. Esses ângulos podem ser reproduzidos na superfície de desenho e verificados novamente para garantir sua precisão. Outra forma de medição é comparar o tamanho relativo de diferentes partes do sujeito entre si. Um dedo colocado em um ponto ao longo do instrumento de desenho pode ser usado para comparar essa dimensão com outras partes da imagem. Uma régua pode ser usada tanto como guia reto quanto como ferramenta para calcular proporções. Ao tentar desenhar uma forma complexa, como a figura humana, é útil inicialmente representar a forma com volumes primitivos. Praticamente qualquer forma pode ser representada por alguma combinação de cubo, esfera, cilindro e cone. Quando esses volumes básicos são reunidos em uma semelhança, o desenho pode então ser refinado para uma forma mais precisa e polida. As linhas dos volumes primitivos são removidas e substituídas pela semelhança final. Desenhar a construção subjacente é uma habilidade fundamental para a arte de representação e é ensinada em muitos livros e escolas. Sua aplicação correta resolve a maioria das incertezas sobre detalhes menores e faz a imagem final parecer consistente.

Perspectiva linear é um método de retratar objetos em uma superfície plana de modo que as dimensões encolham com a distância. Cada conjunto de arestas paralelas de qualquer objeto, seja um prédio ou uma mesa, segue linhas que eventualmente convergem em um ponto de fuga. Normalmente, esse ponto de convergência está em algum lugar ao longo do horizonte, já que os edifícios são construídos nivelados com a superfície plana. Quando várias estruturas estão alinhadas umas com as outras, como edifícios ao longo de uma rua, as partes superior e inferior horizontais dessas estruturas geralmente convergem em um ponto de fuga. Quando tanto a frente quanto os lados de um edifício são desenhados, as linhas paralelas que formam um lado convergem em um segundo ponto ao longo do horizonte (que pode estar fora do papel). Essa é a perspectiva de dois pontos. Fazer as linhas verticais convergirem em um terceiro ponto acima ou abaixo do horizonte gera uma perspectiva de três pontos.

A composição da imagem é um elemento importante para produzir uma obra de mérito artístico interessante. O artista planeja a disposição dos elementos na arte para comunicar ideias e sentimentos ao espectador. A composição pode determinar o foco da arte e resultar em um todo harmonioso que seja esteticamente atraente e estimulante. A iluminação do sujeito também é um elemento-chave na criação de uma peça artística, e a interação de luz e sombra é um método valioso no conjunto de ferramentas do artista. A colocação das fontes de luz pode fazer grande diferença no tipo de mensagem que está sendo apresentada. Múltiplas fontes de luz podem suavizar rugas no rosto de uma pessoa, por exemplo, dando uma aparência mais jovem. Em contraste, uma única fonte de luz, como a luz solar intensa, pode destacar qualquer textura ou característica interessante. Ao desenhar um objeto ou figura, o artista habilidoso presta atenção tanto à área dentro do contorno quanto ao que está fora dele. Essa área externa é chamada de espaço negativo, e pode ser tão importante na representação quanto a própria figura. Objetos colocados atrás da figura devem parecer posicionados adequadamente onde podem ser visualizados.

As pessoas apresentam diferenças em sua capacidade de produzir desenhos visualmente precisos, quando um desenho visualmente preciso é “reconhecido como um objeto particular em um momento e lugar específicos, representado com poucos detalhes visuais que não podem ser vistos no objeto retratado ou com pouca exclusão de detalhes visuais.” Estudos investigativos buscam explicar por que algumas pessoas desenham melhor do que outras. Um estudo propôs quatro habilidades principais no processo de desenho: habilidades motoras necessárias para fazer marcas, a própria percepção do desenhista sobre seu trabalho, a percepção do objeto que está sendo desenhado e a capacidade de tomar boas decisões de representação. Com base nessa hipótese, vários estudos procuraram concluir quais desses processos são mais significativos na precisão dos desenhos. O controle motor é um componente físico importante na fase de “Produção” do processo de desenho. Tem sido sugerido que o controle motor desempenha um papel na habilidade de desenhar, embora seus efeitos não sejam significativos.