Mona Lisa
Mona Lisa é um retrato de meio-corpo do artista italiano Leonardo da Vinci. Considerada uma obra-prima arquetípica da Renascença italiana, foi descrita como "a obra de arte mais conhecida, mais visitada, sobre a qual mais se escreveu, mais se cantou [e] que mais foi parodiada no mundo". Entre as características inovadoras da pintura estão a expressão enigmática da modelo, a monumentalidade da composição, a modelagem sutil das formas e o ilusionismo atmosférico.
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O título da pintura, conhecida em inglês como Mona Lisa, baseia-se na suposição de que ela retrata Lisa del Giocondo, embora a semelhança da figura com ela seja incerta. O historiador da arte do Renascimento, Giorgio Vasari, escreveu que "Leonardo encarregou-se de pintar, para Francesco del Giocondo, o retrato de Mona Lisa, sua esposa". Em italiano, monna é uma forma de tratamento cortês originada de ma donna — semelhante a senhora, madame ou minha senhora. Essa expressão tornou-se madonna e, em sua forma contraída, monna. Em italiano, o título da pintura é grafado Monna Lisa (mona é uma vulgaridade em italiano), forma rara em inglês, idioma no qual tradicionalmente se escreve Mona. Lisa del Giocondo pertencia à família Gherardini, de Florença e da Toscana, e era esposa do abastado comerciante florentino de seda Francesco del Giocondo. Acredita-se que a pintura tenha sido encomendada para a nova residência do casal e para celebrar o nascimento de seu segundo filho, Andrea. O nome italiano da pintura, La Gioconda, significa "jocosa" ("feliz" ou "jovial"), ou, literalmente, "a jocosa", em um trocadilho com a forma feminina do sobrenome de casada de Lisa, Giocondo. Em francês, o título La Joconde tem o mesmo significado. O relato de Vasari sobre a Mona Lisa provém de sua biografia de Leonardo, publicada em 1550, 31 anos após a morte do artista. Durante muito tempo, ela foi a fonte mais conhecida de informações sobre a proveniência da obra e a identidade da modelo. Ao morrer, em 1524, o assistente de Leonardo, Salaì, possuía um retrato denominado la Gioconda em seus documentos pessoais, uma pintura que Leonardo lhe havia legado.
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A Mona Lisa apresenta forte semelhança com muitas representações renascentistas da Virgem Maria, então considerada um ideal de feminilidade. A mulher está sentada em posição acentuadamente ereta em uma poltrona do tipo pozzetto, com os braços cruzados, sinal de sua postura reservada. Seu olhar se fixa no observador. A figura parece viva em grau incomum, efeito que Leonardo obteve por meio de seu método de não desenhar contornos. A fusão suave (o sfumato) cria uma atmosfera ambígua "principalmente em dois elementos: os cantos da boca e os cantos dos olhos". A representação da modelo em posição de três quartos é semelhante a obras do final do século XV de Lorenzo di Credi e Agnolo di Domenico del Mazziere. Frank Zöllner observa que a posição geral da modelo remonta a modelos da pintura flamenga e que "em especial as faixas verticais das colunas em ambos os lados do painel tinham precedentes no retrato flamengo". Woods-Marsden cita o retrato de Benedetto Portinari (1487), de Hans Memling, ou imitações italianas, como os retratos pendentes de Bastiano Mainardi, quanto ao uso de uma lógia, que produz o efeito de intermediar a relação entre a modelo e a paisagem distante — característica ausente no retrato anterior de Leonardo, Ginevra de' Benci.
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Criação e data
Entre as obras de Leonardo da Vinci, a Mona Lisa é o único retrato cuja autenticidade nunca foi seriamente questionada e uma de quatro obras—as outras são São Jerônimo no Deserto, A Adoração dos Magos e A Última Ceia —cuja atribuição permaneceu livre de controvérsias. Leonardo já havia começado a trabalhar em um retrato de Lisa del Giocondo, a modelo da Mona Lisa, em outubro de 1503. Alguns acreditam que a Mona Lisa tenha sido iniciada em 1503 ou 1504, em Florença. Embora o Louvre afirme que ela foi "sem dúvida pintada entre 1503 e 1506", o historiador da arte Martin Kemp considera difícil confirmar as datas com certeza. Alessandro Vezzosi acredita que a pintura é característica do estilo dos últimos anos da vida de Leonardo, posteriores a 1513. Outros acadêmicos argumentam que, à luz da documentação histórica, Leonardo teria pintado a obra a partir de 1513. Segundo Vasari, "depois de se demorar nela por quatro anos, [ele] a deixou inacabada". Em 1516, Leonardo foi convidado pelo rei Francisco I a trabalhar no Clos Lucé, próximo ao Castelo de Amboise; acredita-se que tenha levado consigo a Mona Lisa e continuado a trabalhar nela depois de se mudar para a França. A historiadora da arte Carmen C. Bambach concluiu que Leonardo provavelmente continuou a aperfeiçoar a obra até 1516 ou 1517. A mão direita de Leonardo estava paralisada por volta de 1517, o que pode indicar por que ele deixou a Mona Lisa inacabada.[d]
Refúgio, roubo e vandalismo
Após a Revolução Francesa, a pintura foi transferida para o Louvre, mas passou um breve período no quarto de Napoleão (m. 1821), no Palácio das Tulherias. Embora a Mona Lisa não fosse amplamente conhecida fora do meio artístico, na década de 1860 parte da intelligentsia francesa começou a celebrá-la como uma obra-prima da pintura renascentista. Durante a Guerra Franco-Prussiana (1870–1871), a pintura foi removida do Louvre e levada ao Arsenal de Brest. Em 1911, a pintura ainda não era popular entre o público leigo. Em 21 de agosto daquele ano, ela foi roubada do Louvre. A ausência da obra foi notificada pela primeira vez no dia seguinte pelo pintor Louis Béroud. Após certa confusão sobre a possibilidade de a pintura estar sendo fotografada em outro local, o Louvre permaneceu fechado por uma semana para investigação. O poeta francês Guillaume Apollinaire tornou-se suspeito, foi detido e encarcerado. Apollinaire implicou seu amigo Pablo Picasso, que foi levado para interrogatório. Ambos acabaram inocentados. O verdadeiro responsável foi o funcionário do Louvre Vincenzo Peruggia, que havia ajudado a construir a caixa de vidro da pintura. Ele realizou o roubo trancando-se no edifício do Louvre e retirando a pintura, sem ser percebido porque o museu estava fechado naquele dia.
Análise moderna
No início do século XXI, o cientista francês Pascal Cotte levantou a hipótese de que existiria um retrato oculto sob a superfície da pintura. A partir de 2004, analisou a obra no Louvre com tecnologia de luz refletida e produziu indícios circunstanciais em favor de sua teoria. Cotte admite que a investigação foi realizada apenas para sustentar suas hipóteses e não deve ser considerada prova definitiva. O retrato subjacente parece mostrar uma modelo olhando para o lado e não apresenta colunas laterais, mas não corresponde às descrições históricas da pintura. Tanto Vasari quanto Gian Paolo Lomazzo descrevem a modelo sorrindo, ao contrário da figura do suposto retrato de Cotte. Em 2020, Cotte publicou um estudo no qual alegava que a pintura possui um desenho subjacente, transferido de um desenho preparatório pela técnica de spolvero.
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A Mona Lisa sobreviveu por mais de quinhentos anos, e uma comissão internacional reunida em 1952 observou que "o quadro se encontra em um estado de conservação notável". Nunca foi completamente restaurada, de modo que seu estado atual se deve, em parte, aos diversos tratamentos de conservação a que foi submetida. Uma análise detalhada realizada em 1933 por Madame de Gironde revelou que restauradores anteriores haviam "agido com muita moderação". Ainda assim, as aplicações de verniz já haviam escurecido até o fim do século XVI, e uma limpeza agressiva seguida de novo envernizamento, em 1809, removeu parte da camada pictórica superficial, fazendo com que o rosto da figura adquirisse uma aparência desbotada. Apesar desses tratamentos, a Mona Lisa foi bem cuidada ao longo de sua história e, embora a deformação do painel tenha causado "certa preocupação" aos curadores, a equipe de conservação de 2004–2005 mostrou-se otimista quanto ao futuro da obra.
Painel de álamo
Em algum momento, a Mona Lisa foi retirada de sua moldura original. Sem contenção, o painel de álamo deformou-se livremente com as variações da umidade e, como consequência, surgiu uma rachadura perto da parte superior, que se estende até a linha do cabelo da figura. Entre meados do século XVIII e o início do XIX, duas travessas de nogueira em forma de borboleta foram inseridas na parte posterior do painel até uma profundidade equivalente a cerca de um terço de sua espessura. A intervenção foi executada com perícia e estabilizou a rachadura com sucesso. Em algum momento entre 1888 e 1905, ou talvez durante o roubo da pintura, a travessa superior se desprendeu. Um restaurador posterior colou e revestiu com tecido o encaixe e a rachadura resultantes. O quadro é mantido sob condições climáticas rigorosamente controladas dentro de sua caixa de vidro à prova de balas. A umidade é mantida em 50% ±10%, e a temperatura, entre 18 °C (64 °F) e 21 °C (70 °F). Para compensar as flutuações da umidade relativa, a caixa contém uma camada de sílica-gel tratada para proporcionar umidade relativa de 55%.
Moldura
Como o suporte de álamo da Mona Lisa se expande e se contrai com as variações de umidade, o quadro sofreu certa deformação. Em resposta à deformação e ao inchaço ocorridos durante seu armazenamento na Segunda Guerra Mundial, e a fim de preparar a obra para uma exposição em homenagem ao quingentésimo aniversário de Leonardo, instalou-se em 1951 uma moldura flexível de carvalho com travessas de faia. Essa moldura, utilizada além da moldura decorativa, exerce pressão sobre o painel para impedir que ele continue se deformando. Em 1970, depois de se descobrir que a madeira de faia estava infestada por insetos, as travessas foram substituídas por outras de bordo. Em 2004–2005, uma equipe de conservação e pesquisa substituiu as travessas de bordo por outras de sicômoro e acrescentou uma travessa metálica para a medição científica da deformação do painel.[carece de fontes]? A Mona Lisa recebeu muitas molduras decorativas diferentes ao longo de sua história. Em 1909, a condessa de Béhague, colecionadora de arte, deu ao retrato sua moldura atual, uma peça renascentista coerente com o período histórico da obra. As bordas da pintura foram aparadas pelo menos uma vez para que o quadro coubesse em diferentes molduras, embora nenhuma parte da camada pictórica original tenha sido cortada.
Limpeza e retoques
A primeira e mais extensa limpeza, aplicação de novo verniz e retoque registrados da Mona Lisa ocorreram em 1809, sob responsabilidade de Jean-Marie Hooghstoel, encarregado da restauração das pinturas das galerias do Museu Napoleão. O trabalho compreendeu limpeza com álcool, retoques de cor e novo envernizamento. Em 1906, o restaurador do Louvre Eugène Denizard realizou retoques em aquarela nas áreas da camada pictórica afetadas pela rachadura do painel. Denizard também retocou com verniz as bordas do quadro para disfarçar áreas que originalmente haviam sido cobertas por uma moldura mais antiga. Em 1913, depois que a pintura foi recuperada do roubo, Denizard voltou a ser chamado para trabalhar na Mona Lisa. Recebeu instruções para limpar o quadro sem solvente e retocar levemente com aquarela alguns arranhões. Em 1952, uniformizou-se a camada de verniz sobre o plano de fundo. Após o segundo ataque de 1956, o restaurador Jean-Gabriel Goulinat foi encarregado de retocar com aquarela o dano no cotovelo esquerdo da Mona Lisa. Em 1977, descobriu-se uma nova infestação de insetos na parte posterior do painel, decorrente das travessas instaladas para evitar que a pintura se deformasse. O local foi tratado primeiro com tetracloreto de carbono e, posteriormente, com óxido de etileno. Em 1985, voltou a receber tetracloreto de carbono como medida preventiva.
Exposição
Em 6 de abril de 2005—após um período de manutenção curatorial, registro e análise—a pintura foi transferida para um novo local na Salle des États do museu. É exposta em um compartimento climatizado, construído especialmente para ela, atrás de vidro à prova de balas. Desde 2005, a pintura é iluminada por uma lâmpada de LED; em 2013, instalou-se uma nova lâmpada de vinte watts projetada especialmente para a obra. Ela possui índice de reprodução de cor de até 98 e reduz ao mínimo as radiações infravermelha e ultravioleta, que poderiam degradar a pintura. A reforma da galeria onde a pintura está instalada foi financiada pela emissora japonesa Nippon TV. Em 2019, cerca de 10,2 milhões de pessoas viam a pintura no Louvre a cada ano. Um novo sistema de filas, introduzido naquele ano, reduziu o tempo de espera dos visitantes para contemplar a obra. Depois de passar pela fila, cada grupo dispõe de aproximadamente trinta segundos diante da pintura.
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A Mona Lisa começou a influenciar a pintura florentina contemporânea antes mesmo de ser concluída. Rafael, que havia visitado várias vezes a oficina de Leonardo, logo empregou elementos da composição e do formato do retrato em diversas de suas obras, como Young Woman with Unicorn (c. 1506) e o Retrato de Maddalena Doni (c. 1506). Pinturas posteriores de Rafael, como La velata (1515–16) e o Retrato de Baldassare Castiglione (c. 1514–15), continuaram a tomar elementos emprestados da pintura de Leonardo. Zöllner afirma que "nenhuma das obras de Leonardo exerceria maior influência sobre a evolução do gênero do que a Mona Lisa. Ela se tornou o exemplo definitivo do retrato renascentista e talvez seja por essa razão que seja vista não apenas como a representação de uma pessoa real, mas também como a personificação de um ideal". Enquanto críticos anteriores, como Vasari, no século XVI, e André Félibien, no XVII, elogiavam a pintura por seu realismo, em meados do século XIX os escritores começaram a considerar que a Mona Lisa era imbuída de uma sensação de mistério e romance. Em 1859, Théophile Gautier escreveu que a Mona Lisa era uma "esfinge da beleza que sorri de modo tão misterioso" e que "sob a forma expressa, sente-se um pensamento vago, infinito, inexprimível. Fica-se comovido, perturbado... desejos reprimidos, esperanças que levam ao desespero, agitam-se dolorosamente". Um ensaio de Walter Pater, de 1869, descreveu a modelo como "mais velha que as rochas entre as quais está sentada; como o vampiro, morreu muitas vezes e aprendeu os segredos do túmulo; mergulhou nos mares profundos e conserva ao seu redor o dia decaído deles".
Fama
No século XXI, a Mona Lisa é considerada a pintura mais famosa do mundo, uma obra que constitui por si só um destino turístico. Até o século XX, era apenas uma entre muitas obras de arte altamente prestigiadas. Tendo integrado a coleção do rei Francisco I de França, a Mona Lisa esteve entre as primeiras obras expostas no Louvre, que se tornou um museu nacional após a Revolução Francesa. Leonardo começou a ser reverenciado como gênio, e a popularidade da pintura cresceu em meados do século XIX, quando a intelectualidade francesa a elogiou como misteriosa e como representação da femme fatale. Em 1878, o guia Baedeker chamou-a de "a obra mais célebre de Leonardo no Louvre", mas a pintura era mais conhecida pela intelectualidade do que pelo público em geral. Um artigo publicado em 1910 na revista Ladies' Home Journal declarou-a "o retrato mais famoso do mundo". A Ladies' Home Journal destaca-se por ter sido a primeira revista norte-americana a alcançar um milhão de assinantes, em 1903.
Valor financeiro
Antes da viagem de 1962–1963, a pintura foi avaliada para fins de seguro em cem milhões de dólares — equivalentes a 1,08 bilhão de dólares em 2026 —, o que fazia dela, na prática, a pintura de maior valor atribuído do mundo. O seguro não foi contratado; em vez disso, gastou-se uma quantia maior com segurança. Em 2014, um artigo da France 24 sugeriu que a pintura poderia ser vendida para ajudar a reduzir a dívida pública do país, embora tenha observado que a Mona Lisa e outras obras desse tipo eram proibidas de ser vendidas pela legislação francesa relativa ao patrimônio, segundo a qual "as coleções mantidas em museus pertencentes a entidades públicas são consideradas propriedade pública e não podem ser alienadas".
Representações culturais
Entre as representações culturais da Mona Lisa estão:
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La Gioconda do Museu do Prado
Uma versão da Mona Lisa conhecida como Mujer de mano de Leonardo Abince ("Mulher pela mão de Leonardo da Vinci", Museu do Prado, Madri) foi considerada durante séculos uma obra de Leonardo. Desde sua restauração, em 2012, acredita-se que tenha sido executada por um dos discípulos de Leonardo em seu ateliê, ao mesmo tempo que a Mona Lisa era pintada. A conclusão do Prado de que a pintura provavelmente é de Salaì (1480–1524) ou de Melzi (1493–1572) foi questionada por outros estudiosos. A pintura restaurada apresenta uma perspectiva ligeiramente diferente da Mona Lisa original, o que levou à especulação de que ela integraria o primeiro par estereoscópico do mundo; contudo, um relatório de 2017 demonstrou que esse par não produz profundidade estereoscópica confiável.
Mona Lisa de Isleworth
Uma versão da Mona Lisa conhecida como Mona Lisa de Isleworth foi adquirida pela primeira vez por um nobre inglês em 1778 e redescoberta em 1913 por Hugh Blaker, um conhecedor de arte. A pintura foi apresentada à imprensa em 2012 pela Mona Lisa Foundation. Trata-se de uma pintura da mesma modelo da Mona Lisa de Leonardo da Vinci. O consenso acadêmico atual sobre sua atribuição não é claro. Alguns especialistas, entre eles Frank Zöllner, Martin Kemp e Luke Syson, rejeitaram a atribuição a Leonardo; professores como Salvatore Lorusso, Andrea Natali e John F. Asmus apoiaram-na; outros, como Alessandro Vezzosi e Carlo Pedretti, mostraram-se incertos.
Mona Lisa do Hermitage
Uma versão conhecida como Mona Lisa do Hermitage encontra-se no Museu Hermitage e foi produzida por um artista desconhecido do século XVI.
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Quando uma pessoa fotografada olha para a lente da câmera, a imagem produz a ilusão de que os observadores percebem o retratado olhando para eles, independentemente da posição do fotógrafo. Presumivelmente por essa razão, ao tirar fotografias, muitas pessoas pedem aos retratados que olhem para a câmera, e não para outro lugar. Na psicologia, esse fenômeno é conhecido como "ilusão da Mona Lisa", em referência à pintura, que produz a mesma ilusão.
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A pintura apresenta características da proporção áurea e revela vários triângulos de ouro, bem como a espiral áurea. Na Figura 1, o ponto M — o olho esquerdo da Mona Lisa — divide os segmentos [DK] e [EL] segundo a proporção áurea. Os triângulos ABC, DEF, AFG, FBH, HGF e GHC são triângulos de ouro, pois, em cada um deles, a base e os lados iguais do triângulo isósceles encontram-se entre si na proporção áurea. A espiral áurea aparece na Figura 2. Está posicionada de modo que começa no pulso direito da Mona Lisa e toca o topo de sua cabeça. A ponta do nariz forma então o ponto para o qual a espiral converge. Segundo Walter Isaacson, há poucas evidências de que Leonardo tenha empregado intencionalmente a proporção áurea na pintura.
