Arte católica

A arte cristã é quase tão antiga quanto o próprio cristianismo. As esculturas cristãs mais antigas são de sarcófagos romanos, datando do início do século II. Como uma seita perseguida, no entanto, as primeiras imagens cristãs eram arcanas e pretendiam ser inteligíveis apenas para os iniciados. Os primeiros símbolos cristãos incluem a pomba, o peixe, o cordeiro, a cruz, a representação simbólica dos Quatro Evangelistas e o Bom Pastor. Os primeiros cristãos também adaptaram motivos decorativos romanos como o pavão, as videiras e o bom pastor. É nas Catacumbas de Roma que as representações reconhecíveis de figuras cristãs aparecem pela primeira vez em número. A igreja recém-escavada da casa de Dura Europo, nas fronteiras da Síria, data de cerca de 265 d.C. e guarda muitas imagens do período de perseguição. Os afrescos sobreviventes da sala de batistério estão entre as pinturas cristãs mais antigas. Podemos ver o "Bom Pastor", a "Cura do paralítico" e "Cristo caminhando sobre as águas". Um afresco muito maior mostra as duas Marias visitando o túmulo de Cristo.

A dedicação de Constantinopla como capital em 330 d.C. criou um grande novo centro artístico cristão para o Império Romano do Oriente, que logo se tornou uma unidade política separada. As principais igrejas constantinopolitanas construídas sob o Imperador Constantino e seu filho, Constâncio II, incluíam as fundações originais de Santa Sofia e da Igreja dos Santos Apóstolos. À medida que o Império Romano do Ocidente se desintegrou e foi tomado por povos "bárbaros", a arte do Império Bizantino atingiu níveis de sofisticação, poder e arte nunca antes vistos na arte cristã, e estabeleceu os padrões para as partes do Ocidente ainda em contato com Constantinopla. Essa conquista foi conferida pela polêmica sobre o uso de imagens gravadas e a interpretação adequada do Segundo Mandamento, que levou à crise de iconoclastia ou destruição de imagens religiosas, que abalou o Império entre 726 e 843. A restauração do iconodulismo ortodoxo resultou em uma padronização rigorosa do imaginário religioso dentro da Igreja Ortodoxa. A arte bizantina tornou-se cada vez mais conservadora, pois a própria forma das imagens, muitas com origem divina ou que se pensava terem sido pintadas por São Lucas ou outras figuras, era considerada como tendo um status não muito distante do de um texto bíblico. Eles poderiam ser copiados, mas não melhorados. Como uma concessão ao sentimento iconoclasta, a escultura religiosa monumental foi efetivamente proibida. Nenhuma dessas atitudes foi mantida na Europa Ocidental, mas a arte bizantina teve grande influência lá até a Alta Idade Média, e permaneceu muito popular muito tempo depois, com um grande número de ícones da Escola Cretense exportados para a Europa até o Renascimento. Sempre que possível, artistas bizantinos foram emprestados para projetos como mosaicos em Veneza e Palermo. Os enigmáticos afrescos de Castelseprio podem ser um exemplo de trabalho de um artista grego que trabalhava na Itália.

A posição teológica católica sobre as imagens sacras permaneceu efetivamente idêntica àquela estabelecida no Libri Carolini, embora esta, a expressão medieval mais completa das visões ocidentais sobre as imagens, fosse de fato desconhecida durante a Idade Média. Foi preparado por volta de 790 para Carlos Magno depois que uma má tradução levou sua corte a acreditar que o Segundo Concílio de Niceia havia aprovado o culto a imagens, o que de fato não era o caso. O contragolpe católico estabeleceu um caminho intermediário entre as posições extremas da iconoclastia bizantina e os iconódulos, aprovando a veneração das imagens pelo que representavam, mas não aceitando o que se tornou a posição ortodoxa, que as imagens participavam em algum grau da natureza da coisa que representavam (uma crença que mais tarde ressurgiria no Ocidente no neoplatonismo renascentista). Para a igreja ocidental, as imagens eram apenas objetos feitos por artesãos, para serem utilizados para estimular os sentidos dos fiéis, e para serem respeitados em prol do sujeito representado, não em si mesmos. Embora na prática devocional popular tenha sido frequentemente presente uma tendência a ir além desses limites, a igreja era, antes do advento da ideia de colecionar arte antiga, geralmente brutal na disposição de imagens não mais necessárias, para o pesar dos historiadores de arte. A maioria das esculturas monumentais do primeiro milênio que sobreviveram foram quebradas e reutilizadas como escombros na reconstrução de igrejas.

Enquanto a estrutura política do Império Romano do Ocidente entrou em colapso após a queda de Roma, a Igreja continuou a financiar a arte onde podia. As obras sobreviventes mais numerosas do período inicial são manuscritos iluminados, nesta data todos presumivelmente criados pelo clero, muitas vezes incluindo abades e outras figuras seniores. O híbrido monástico entre os estilos decorativos "bárbaros" e o livro na arte insular das Ilhas Britânicas do século VII seria enormemente influente na arte europeia pelo resto da Idade Média, fornecendo um caminho alternativo ao classicismo, transmitido ao continente pela missão hiberno-escocesa. Nesse período, o Evangeliário, com arte figurativa confinada principalmente aos retratos evangelistas, era geralmente o tipo de livro mais ricamente decorado; o Livro de Kells é o exemplo mais famoso. O imperador Carlos Magno no século IX se propôs a criar obras de arte apropriadas ao status de seu Império revivido. A arte carolíngia e otoniana estava em grande parte confinada ao círculo da corte imperial e a diferentes centros monásticos, cada um dos quais tinha seu próprio estilo artístico distinto. Os artistas carolíngios conscientemente tentaram emular tais exemplos de arte bizantina e da antiguidade tardia que estavam disponíveis para eles, copiando manuscritos como a Cronografia de 354 e produzindo obras como o Saltério de Utrecht, que ainda divide os historiadores de arte quanto a se tratar de uma cópia de um manuscrito muito anterior, ou uma criação carolíngia original. Este, por sua vez, foi copiado três vezes na Inglaterra, por último em estilo gótico antigo.

A arte românica, muito precedida pelo pré-românico, desenvolveu-se na Europa Ocidental a partir de aproximadamente 1000 d.C. até o surgimento do estilo gótico. A construção de igrejas foi caracterizada por um aumento na altura e no tamanho geral. Telhados abobadados eram sustentados por grossas paredes de pedra, pilares maciços e arcos arredondados. Os interiores escuros eram iluminados por afrescos de Jesus, da Virgem Maria e dos santos, muitas vezes baseados em modelos bizantinos. Esculturas em pedra adornavam os exteriores e interiores, particularmente o tímpano acima da entrada principal, que muitas vezes apresentava um Cristo em Majestade ou em Juízo, e o grande crucifixo de madeira foi uma inovação alemã logo no início do período. Os capitéis das colunas também eram muitas vezes elaboradamente esculpidos com cenas figurativas. O conjunto de igrejas grandes e bem preservadas em Colônia, então a maior cidade ao norte dos Alpes, e Segóvia, na Espanha, estão entre os melhores lugares hoje para apreciar o impacto das novas igrejas maiores na paisagem da cidade, mas existem muitos edifícios individuais, desde a Catedral de Durham, a Catedral de Ely e a Catedral de Nossa Senhora de Tournai até um grande número de igrejas individuais, especialmente no sul da França e na Itália. Em áreas mais prósperas, muitas igrejas românicas sobrevivem cobertas por uma reforma barroca, muito mais fácil de fazer com elas do que uma igreja gótica.

A arte gótica surgiu na França em meados do século XII. A Basílica de Saint-Denis, construída pelo Abade Suger de Saint-Denis, foi o primeiro grande edifício em estilo gótico. Novas ordens monásticas, especialmente os cistercienses e cartuxos, foram importantes construtores que desenvolveram estilos distintos que disseminaram por toda a Europa. Os frades franciscanos construíram igrejas urbanas funcionais com enormes naves abertas para pregar a grandes congregações. No entanto, as variações regionais permaneceram importantes, mesmo quando, no final do século XIV, um estilo universal coerente conhecido como gótico internacional havia evoluído, o que continuou até o final do século XV, e além em muitas áreas. Os principais meios de arte gótica eram a escultura, a pintura em painéis, os vitrais, o afresco e o manuscrito iluminado, embora as imagens religiosas também fossem expressas em trabalhos em metal, tapeçarias e paramentos bordados.

A arte renascentista, fortemente influenciada pelo "renascimento" do interesse pela arte e cultura da antiguidade clássica, inicialmente continuou as tendências do período anterior sem mudanças fundamentais, mas usando roupas clássicas e cenários arquitetônicos que eram afinal muito apropriados para as cenas do Novo Testamento. No entanto, uma clara perda de intensidade religiosa é aparente em muitas pinturas religiosas do início do Renascimento – os famosos afrescos na Capela Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1485-1490) parecem mais interessados na representação detalhada de cenas da vida burguesa da cidade do que em seus temas reais, a Vida da Virgem e a de São João Batista, e a Capela dos Magos de Benozzo Gozzoli (1459-1461) é mais uma celebração do status da Casa dos Médici do que uma Adoração dos Magos. Ambos os exemplos (que ainda usavam roupas contemporâneas) vêm de Florença, o coração do início do Renascimento, e o lugar onde o carismático pregador dominicano Savonarola lançou seu ataque ao mundanismo da vida e da arte dos cidadãos, culminando em sua famosa Fogueira das Vaidades em 1497; na verdade, outros pregadores vinham realizando eventos semelhantes há décadas, mas em menor escala. Muitos artistas do início da Renascença, como Fra Angelico e Botticelli eram extremamente devotos, e este último foi um dos muitos que caíram sob a influência de Savonarola.

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A pintura italiana depois de 1520, com a notável exceção da arte de Veneza, desenvolveu-se no Maneirismo, um estilo altamente sofisticado, que buscava efeito, que atraiu a preocupação de muitos eclesiásticos de que não tinha apelo para a massa da população. A pressão da Igreja para restringir o imaginário religioso afetou a arte a partir da década de 1530 e resultou nos decretos da sessão final do Concílio de Trento em 1563, incluindo passagens curtas e bastante inexplícitas sobre imagens religiosas, que teriam grande impacto no desenvolvimento da arte católica. Concílios anteriores da Igreja Católica raramente sentiram a necessidade de se pronunciar sobre esses assuntos, ao contrário dos ortodoxos que muitas vezes se pronunciaram sobre tipos específicos de imagens. O decreto confirmou a doutrina tradicional de que as imagens representavam apenas a pessoa representada, e que a veneração a elas era feita à própria pessoa, não à imagem, e ainda instruiu que:

A arte barroca, que se desenvolveu ao longo das décadas que se seguiram ao Concílio de Trento, embora a extensão em que isso foi uma influência sobre ela seja uma questão de debate, certamente atendeu à maioria das exigências do concílio, especialmente nas fases anteriores e mais simples associadas aos Carracci e Caravaggio, que, no entanto, encontraram oposição clerical sobre o realismo de suas figuras sagradas. Os sujeitos foram mostrados de forma direta e dramática, com relativamente poucas alusões abstrusas. A escolha dos temas foi ampliada consideravelmente, à medida que os artistas barrocos se deliciavam em encontrar novos episódios bíblicos e momentos dramáticos da vida dos santos. À medida que o movimento continuava no século XVII, a simplicidade e o realismo tendiam a diminuir, mais lentamente na Espanha e na França, mas o drama permaneceu, produzido pela representação de momentos extremos, movimento dramático, cor e iluminação de chiaroscuro e, se necessário, hospedeiros de querubins agitados e nuvens giratórias, tudo destinado a sobrecarregar o adorador. Arquitetura e escultura voltadas para os mesmos efeitos; Bernini (1598-1680) sintetiza o estilo barroco nessas artes. A arte barroca se espalhou pela Europa católica e pelas missões ultramarinas da Ásia e das Américas, promovidas pelos jesuítas e franciscanos, com destaque para a pintura e/ou escultura da Escola de Quito, da Escola de Cuzco e da Escola Chilote de Imagens Religiosas.

No século XVIII, o barroco secular desenvolveu-se no estilo rococó ainda mais extravagante, mas mais leve, que era difícil de adaptar a temas religiosos, embora Gianbattista Tiepolo fosse capaz de fazê-lo. No final do século houve uma reação, especialmente na arquitetura, contra o barroco, e um retorno às formas clássicas e palladianas mais austeras. A essa altura, a taxa de produção de arte sacra estava visivelmente desacelerando. Depois de uma onda de construções e reconstruções no período barroco, os países católicos estavam claramente superlotados de igrejas, mosteiros e conventos, no caso de alguns lugares como Nápoles, quase absurdamente. A Igreja era agora menos importante como patrono do que a realeza e a aristocracia, e a demanda da classe média por arte, principalmente secular, estava aumentando rapidamente. Os artistas poderiam agora ter uma carreira de sucesso pintando retratos, paisagens, naturezas-mortas ou outras especialidades de gênero, sem nunca pintar um assunto religioso – algo até então incomum nos países católicos, embora por muito tempo a norma nos protestantes.